なめブログ

パンク/ハードコア/ロックをはじめとする音楽のほか映画などにも触れてゆくナメの実験室

映画『2重螺旋の恋人』

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一人の女と双子の男が織りなす“前代未聞の三角関係”を描くフランス映画。
フランスならではの官能美に覆われた心理ミステリー&サスペンス作品で、
どこもかしこもフランスの匂いがたまらない。

1967年パリ生まれのフランソワ・オゾン
[『8人の女たち』(2002年)、『スイミング・プール』(2003年)他]が監督・脚本。
オゾン監督の『17歳』の主役を務めたマリーヌ・ヴァクト(2013年)が主演を務め、
『最後のマイ・ウェイ』(2012年)で主役を務めたジェレミー・レニエが双子二役を演じている。

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クロエは原因不明の腹痛に悩む25歳の女性。
精神分析のカウンセリングを受けることで痛みから解放された彼女は、
お世話になった分析医のポールと恋に落ちて同居を始める。
そんなある日、クロエは街でポールそっくりの男を見かけ、
まもなくポールの双子の兄で同じく精神分析医のルイと判明。
ポールがルイの存在を隠していることに疑心暗鬼になったタイミングで、
クロエは“謎”を探るべく偽名を使ってルイのクリニックに通い始めるも、
優しく穏やかなポールとは反対に傲慢でサディスティックなルイに引きつけられていく。

オフィシャル・サイトに載っているあらすじを多少アレンジして転載させてもらったが、
ここから中盤に話が展開していくストーリーだ。

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やさしい男と付き合うも冷たい男に惹かれていくストーリーは“定番”ではあるし、
双子がキーワードになると物語もふくらむものだが、
じっくり練られたシナリオの妙味に最後まで持っていかれる。
静かな映画でありながらテンポがいい場面展開も特筆したい。

双子の二人とも“表”と“裏”、
そして“過去”がある。
二人とも精神分析医だけに
無意識そして意識的に“患者”であり“恋人”“愛人”のクロエを翻弄していく。
一時安定してきた精神が揺さぶられて肉体に溺れていく流れは、
切っても切れない“body and sou”の関係そのもの。
クロエの肉体に“秘密”が眠っていたことも明らかになっていく。

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ストーリーだけでなく映像も観ている者の肉体と精神に揺さぶりをかけてくる。

いきなり“とある部分”の拡大映像がスクリーンに映し出されて何事か!?と驚かせるが、
この映画が心理的なだけでなく肉体的な映画でもあることを示唆するかのようだ。
以降も要所要所で大胆な映像が観る者を引き込み、
R-18指定も納得のセックス・シーンも強烈だ。
それが淡泊な映像だとこの映画は締まらないほど大切だが、
もちろんダラダラ必要以上に長引かせず、
ある意味ストイックな見せ方でエロチック(not エロ)な動きを鮮やかに見せる。

フレームの切り取り方やカメラ・アングルも絶妙だ。
映画の大半の部分を占める“二人”の映し方も含めて、
要所にシンメトリーがスクリーンに広がり、
映画を観ている者が“目撃者”となる。
ひんやりしたクールな映像の色調も映画全体の緊張感をひそかに高めている。

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フランス語の響き自体もやっぱりエロチックだ。
フランス語は落ち着いたトーンにも聞こえるし、時に傲慢にも聞こえ、
そういった特徴が双子のポールとルイのキャラの違いに表れている。
さりげなく映像に溶け込んでいくアンビエントな音楽も心理描写に一役買っている。

映像、脚本、音声、演技などなど、
総合“アート”表現の映画の醍醐味が堪能できる佳作だ。

★『2螺旋(らせん)の恋人』
2017/フランス/1時間47/カラー/スコープ/5.1ch/原題:Lamant Double/ 日本語字幕:松浦美奈  
84()、ヒューマントラストシネマ有楽町ほか全国公開。
配給:キノフィルムズ R-18
©2017 - MANDARIN PRODUCTION - FOZ - MARS FILMS - PLAYTIME - FRANCE 2 CINÉMA - SCOPE PICTURES / JEAN-CLAUDE MOIREAU 
www.nijurasen-koibito.com

 

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映画『人間機械』

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インドの繊維工場で働く人間たちのドキュメンタリー映画。
原題は『Machines』だが、
ドイツのKRAFTWERKのアルバム・タイトル『The Man-Machine』を思い出す邦題も
本作の肝をわかりやすく表しており、
センチメンタリズムを削ぎ落したハードコアな佳作である。

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インド北西部グジャラート州にある巨大な繊維工場が本作の舞台。
老年から少年までの出稼ぎの男性たちが勤めている。
まさに朝から晩まで働いている姿が映画の大半を占める。
少なくても映画の前半はひたすら労働シーンだが、
デビュー作とは思えない監督の編集センスで肝が凝縮されている。

まず映画の中の過半数のシーンの空間に轟く工場機械の音に目が覚める。
一般的にはノイズなのかもしれないし、
言ってしまえば文字通りリアル・インダストリアル・ノイズだが、
“雑音”には聞こえない。
リズミカルな音だから猛烈にラウドなミニマル・ミュージックにも聞こえる。
音も重視した映画でサウンド・デザイナーも擁した制作体制だけに、
“レコーディングの仕上げ”も万全である。
サブカルなノイズとは別次元で労働者たちの真剣な思いが託された生の音であり、
混じりっ気のない“純音”だ。
劇場で体感したい音響で研ぎ澄まされた“美”すら感じる。

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音と共振した映像にも覚醒される。
引きと押しが絶妙で対象に対しての的確なアングルの撮影によって、
陰影が十分で彫りの深い映像に息を呑む。
スクリーンで観たいダイナミズムにあふれ、
たとえ汚れが目立とうが工場機械も“メカ”としてクールな輝きを映し出し、
休憩時間以外はフル回転の機械のタフな息吹も感じ取れる。

映画のメインの労働者たちの姿からも目が離せない。
さすがに冷房が効いているのだろう汗だくには見えないが、
機械のオイルなどの匂いとともに汗の匂いが漂ってくる生々しさで迫ってくると同時に、
ひたすらストイックに迫ってもくる。
シャープな編集も功を奏し、
規則正しい動きも浮き彫りにされて人間が機械のように見えてくる。
まさに黙々と仕事をしている労働者たちの動きと佇まいにも、
彫像のような研ぎ澄まされた“美”すら感じる。

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だがみんな無表情なのが怖い。
サボっているのが見つかったらヤバいのだろうし、
真剣に仕事に取り組まないと大ケガをしそうな仕事場というのもある。
表情が消されたかのようであり、感情を殺されたかのようでもある。
目はしっかり開いているが、生気に欠けているように見える。
睡眠不足か過労かウトウトしている少年も映し、
休憩時間と思しき時間にみんな工場内で横になって寝ている姿にも目を奪われる。
そうやって労働者たちの苦闘をゆっくりと滲ませていく。

朝8時から夜8時までの労働だという。
耳栓をしていても長時間だと耳が殺られそうな音の場所だけではないが、
染料を作る作業も薬品を扱うから危険に見える。

基本的に映像そのもので勝負の映画ではある。
語りなどが一切ないドキュメンタリー映像作品として見せることも可能だったであろう。
でも勤勉な労働者の“ピュア”な記録映画という誤解を受けかねないからか、
必要最小限の言葉でテーマをほのめかしていく。

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数人が語っている。
子どもを育てるためなどの現実問題を抱えている人もいる。
休憩時間の嗜好品もほんとささやかなもので、
タバコも買えないほど切り詰めている。
金は貯まらなくても腹は満たせると言う人もいる。
底無しの諦念を感じずにはいられない。

中国に次ぐ世界第二位の人口ということも相まって国も隅々までフォローできず、
インドも格差がハンパないわけだが、
この映画も現実の一つのでしかない。
映画の中では「強制ではない」と答えている労働者もいるが、
世界中のいわゆる強制労働者の半数はインドだという。

この工場はマシな方だとも言う。
公にされても問題がないという“自信”もっているから会社は撮影にも応じたのだろうが、
経営者と思しき人が発した労働者たちに対する考え方の話も強烈だ。

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終盤に監督をはじめとする映画のスタッフが労働者たちに工場の外で囲まれるシーンがある。

いわゆる弱者や被抑圧者を“ネタ”にするジャーナリストやルポ・ライターやカメラマンも、
反体制や反権力を気取っていようが所詮政治家や権力者と変わらない同じ穴のムジナ思うことは、
僕にもある。
いわゆる正義や良心で行なっていてるつもりの告発が目的の一つだとしても、
書き手や撮り手が内省して自分自身の軋みたいなものを掘り下げて表現してないと
傲慢なエゴが見えてきてしまうのだ。

ラーフル・ジャイン監督はインドの首都のニューデリーで生まれてヒマラヤで育ち、
カルフォルニア芸術大学で映画とビデオを学んだ。
労働者たちには監督も恵まれた環境で生きてきたエリートに見えたのかもしれない。
この張りつめたシーンを入れることは監督らの“免罪符”とも解釈されかねないが、
編集段階で削除しなかったところに監督の誠実さを見る。
荒っぽいわけではないにしろ
突き刺す目とトーンを落とした声の労働者たちのいらだちの深さが描き込まれ、
映画全体の説得力を増している。

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さらに終盤、工場の屋上での労働者のシーンがある。
自分たちが汗水流して作ったものにもかかわらず仕事中以外は縁がなさそうな“美”を身にまとっている。
“設定”は一種の演出だろうが、
幻想のようなこのシーンの表情にウソはない。
仕事中は一種の軟禁状態で閉じ込められた工場内から“飛翔”し、
解き放たれた労働者たちの生き生きした顔に、
監督の祈りを感じた。


★映画『人間機械』
2016年/インド・ドイツ・フィンランド/デジタル/カラー/71分
7月21日(土)〜渋谷ユーロスペースほかにて全国順次ロードショー。
http://www.ivc-tokyo.co.jp/ningenkikai/


映画『ストリート・オブ・ファイヤー デジタル・リマスター版』

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1984年の公開当時に日本でも大ヒットした米国のロックンロール映画。
ウォルター・ヒル監督が脚本も手掛けた作品で、
このたび7月後半からデジタル・リマスター版で再び日本全国ロードショーとなる。
アクションあり、ラヴあり、笑いあり、音楽ありありの理屈抜きの娯楽映画で、
映像も音声も臨場感抜群だから劇場で観るとエキサイト五割り増しで楽しめる快作だ。

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街に戻ってきた流れ者の男が、
大人気ロック歌手になった元カノが暴走族に誘拐されたと知り、
そのマネージャーや女兵士と救い出すストーリー。

映画の王道パターンのシンプルな物語だが、
だからこそ問われる“肉付け”が最高の映画だ。

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まずキャラのはっきりした俳優陣が映画を隅々まで盛り立てている。

当時19歳とは思えぬ、
いや19歳だからこその存在感のダイアン・レインがまぶしい。
凛としてセクシー(≠エロい)なヒロインのロック歌手を堂々と演じ切っている。
出世作になっただけに流れ者の男を演じたマイケル・パレがクールすぎる。
男っぽい女兵士役のエイミー・マディガンと
メガネもマネージャーらしいリック・モラニスがユーモラスないい味を出している。
暴走族のボス役のウィレム・デフォーも凶暴でよろしい。

みな絵にかいたような“いかにも”だが、
伝統を新しく魅せるのがグレイトなロックンロール・スピリット。
とにかく全員最初から最後までキャラの針が振り切って役に“憑依”している。
アメリカンなダイナミズムにあふれつつも大味に陥らず、
感情表現もなかなか丁寧だからますます引き込まれる。

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雰囲気ぶちこわしになるシーン以外は
ロックンロール・ミュージックが流れっぱなしで、
それがわずらわしくない使われ方にもセンスを感じる。
いわゆるロックンロールだけでなくR&Bナンバーもふんだんに使われ、
映画の中でコーラス/ダンス・クループが登場人物として出てくるのも象徴的だ。

リンク・レイで知られる「Rumble」をはじめとして
(この映画の音楽全般を担当していて数曲提供しているライ・クーダーのバンドの演奏)、
渋めの選曲も功を奏している。
Patti Smith GROUPやTom Petty and the HEARTBREAKERSなどのプロデュースをしてきた、
ジミー・アイオヴァインが特殊音楽素材監修なのも隠し味だ。

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もちろん音楽に乗ってテンポもいい。

ゆったりしたシーンも含めて映画全体がリズミカルなのも大きなポイントである。
やっぱり映画全体が命の鼓動のビートに貫かれている映画は
ダレることなく一気にクライマックスまで見せるのだ。

もちろんスクリーン狭しと派手にやっていて、
愚連隊が集結する場面はスクリーン一杯に人が広がる。
とはいえバイクやアメ車が活躍する路上シーンも、
タイマンをはじめとする対決シーンも、
わざとらしくないアナログ感覚の映像だからこそリアルに映る。
この映画で歌われているラヴ・ソングのように、
ラヴ・シーンも“チラ見せ”の美学だからこそ輝いている。

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セリフも絶妙だ。
わりと聞き取れる英語が多いが、
日本語字幕担当者のセンスも特筆したい。

流れ者の男を演じたマイケル・パレが
元カノのロック歌手のダイアン・レインに吐く別れの捨てゼリフが心憎すぎる。
続編を期待させるラスト・シーンも粋だ。

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★映画『ストリート・オブ・ファイヤー デジタル・リマスター版』
1984年|原題:Streets of Fire|アメリカ|カラ―|94分
©1984 Universal Studios. All Rights Reserved.
◆公開表記
7月21(土)シネマート新宿ほかダイナマイトロードショー! 以降全国順次公開。


映画『子どもが教えてくれたこと』

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難病を抱えた5人の子どもたちが中心のドキュメンタリー。
1973年フランス・パリ生まれのジャーナリストの女性が、
生まれてから3年ほどで娘を病気で亡くした思いがモチーフになった作品だが、
センチメンタルな感動ものとは一線を画すポジティヴなリアリズムがゆっくり疾走する映画だ。


撮影時に5歳〜9歳だった子どもたち。
スポーツが好きな子がいる。
植物を観察する子がいる。
ピアノを楽しむ子がいる。
演劇でステージに立つ子がいる。
おもちゃと戯れつつ勉強熱心な子がいる。

みんなそれぞれにキャラが立っている。
毎日を楽しみながらも自分の病気に関する認識もしっかりしている。

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演出の類いはない。
ドラマチックに盛り上げようという“魂胆”が見えない。
施設で、病院で、屋外で、家庭で、
“子どもたちにとっての日常”を撮っただけである。

可能な限りカメラを回し続けて粘り強く5人を追って膨大な時間撮影したと思われるだけに、
監督が編集に苦労したのもうなずけるが、
映画の出来に大きく左右するそのエディットがとにかく絶妙だ。
5人のうちの数人が絡むシーンも含むとはいえ、
基本的には5人別々の行動やトークがナチュラルにミックスされている。

だからゆるやかにテンポがいい。
80分があっというま。
これほど時間を感じさせない映画も珍しい。
映像と同じく音楽の挿入も押しつけがましくなく、
情緒に流されないトーンでささやかに寄り添っている。

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監督の視点がクールで、
適度に子どもたちと距離を保ちながら撮っているところも特筆したい。
観る人に自分の気持ちや考えを働かせるスペースを設けている。
と同時に言うまでもなく子どもたちにゆっくり迫っている。
カメラのズームアップも多い。
心にもやさしく迫っている。
しっかりと向き合っている。

監督だけでなく親や医師や関係者が子どもにしっかり向き合い、
子どもの言葉にしっかり耳を傾けている。
だから子どもたち一人一人が自分の病気や自分の思いをまっすぐ語っている。
子どもへの虐待のニュースが絶えないだけに、
周りにいる人たちが開かれていれば子どもも開かれるとあらためて知る。

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ところによっては子どもたちに諦念や達観も感じられる。
一方で将来の意思や意志の言葉も目立つ。
子どもたちは本音トークの中にシンプルな“金言”を次々と残している。
他の誰かさんからの借り物の言葉じゃなく、
自分の経験から心と体に息づく自分自身の言葉ばかりである。。

「病気でも幸せになれる」
「自分次第で幸せになれる」
「うまくいかないことがあっても、なんとかなる。それが人生」
「愛してくれる人がいるなら」
「嫌なことは脇に置いておいて」
「愛してる人たちがいれば幸せだわ」

オフィシャル・サイトに載っている 山口もえのコメントじゃないが、
観ていてメモを取りたくなる言葉の連発である。
子供たちの表情が生きているからリアルに響いてくる。

予告編の映像でも観られる仲間に対しての「ずっと友達だよね」という言葉が何気ないようで特に好きだ。
僕も1ヶ月前に友だちのお見舞いに行った時に「ずっと親友だから」と別れ際に言った。


生の尊さと命の重みをさりげなく伝える。


★映画『子どもが教えてくれたこと』
2016年/フランス/フランス語/カラー/80分/ヴィスタサイズ/DCP
監督・脚本:アンヌ=ドフィーヌ・ジュリアン
原題:『 Et Les Mistrals Gagnants 』
7月14日(土)より、シネスイッチ銀座 他全国順次公開。
http://kodomo-oshiete.com/


映画イベント“ブルガリア映画Day2018”

ブルガリア


6月17日(日)に東京 飯田橋のアンスティチュ・フランセ東京 2F「エスパス・イマージュ」で、
“ブルガリア映画Day2018”が催される。
『ソフィアの夜明け』『アイランド』『フェイス・ダウン』という新鋭ブルガリア映画が観られ、
それらを監督した1975年生まれのカメン・カレフのトーク・イベントも各々の上映後の行なわれる。

素晴らしすぎてブログで長く書きすぎた『ソフィアの夜明け』(2009年)はもちろんのこと、
今回が日本初上映ということで
『アイランド』(2011年)と『フェイス・ダウン』(2015年)も楽しみだ。

詳しくはコチラから。
https://www.facebook.com/events/215835599204746/


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プロフィール

行川和彦

Author:行川和彦
                                             Hard as a Rockを座右の銘とする、
音楽文士&パンクの弁護人。

『パンク・ロック/ハードコア・ディスク・ガイド 1975-2003』(2004年~監修本)
『パンク・ロック/ハードコア史』(2007年)
『パンク・ロック/ハードコアの名盤100』(2010年)
を発表<いずれもリットーミュージック刊>。

ミュージック・マガジン、レコード・コレクターズ、CDジャーナル、プレイヤー、ギター・マガジン、ベース・マガジン、クロスビート、EL ZINEなどで執筆中。
                                

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